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Le training kit SINIPARKSI comprend un manuel écrit et un kit vidéo offrant un support pédagogique complet pour les chorégraphes et enseignants en danse.
Valorisant le potentiel de la danse contemporaine à promouvoir le bien-être, le projet d’échange européen SINIPARKSI a été conçu pour rendre cette forme d’art accessible à un large public, tout en valorisant activement la diversité culturelle des communautés à travers l’Europe. Conscients que les chorégraphes et les enseignants en danse doivent être mieux préparés à interagir avec la diversité sociale, le projet s’est concentré sur le développement d’opportunités de formation inclusives, guidé par deux questions centrales :
- Comment une œuvre chorégraphique peut-elle être créée de manière collaborative entre des chorégraphes et des participants non professionnels ?
- Comment la diversité culturelle peut-elle devenir une force puissante de co-création ?
Quatre compagnies de danse européennes — basées en France, Grèce, Allemagne et Croatie — ont, par le travail de leurs chorégraphes, réexaminé leurs pratiques au cours d’une expérimentation sur le terrain de co-création (atelier de co-création) avec des communautés locales issues de milieux culturellement diversifiés. Ces expériences ont permis de développer et de tester une méthodologie inclusive de co-création. Les ateliers ont accueilli une grande variété de participants, incluant des immigrés, des réfugiés et des habitants de zones rurales et urbaines. Ce faisant, les chorégraphes européens ont élargi leur perspective, affiné leurs méthodes et réfléchi ensemble à la manière de créer un espace de danse inclusif.
À travers ces défis, le projet SINIPARKSI a soutenu activement le développement et la diffusion d’initiatives artistiques communautaires qui défendent les droits culturels à travers l’Europe. Faisant partie intégrante des droits humains, les droits culturels protègent l’identité, la langue et les traditions des communautés, garantissant la liberté d’expression artistique sans discrimination ni contrainte. En promouvant la participation culturelle pour tous, SINIPARKSI vise à autonomiser les communautés et à réaffirmer le rôle de la danse comme langage universel de l’inclusion.
Les connaissances acquises au fil de ces expériences ont été rassemblées dans le Kit de formation SINIPARKSI — un guide pédagogique accompagné de tutoriels vidéo, conçu pour aider les professionnels de la danse à favoriser l’inclusion culturelle dans leur travail. Il soutient les chorégraphes et les éducateurs en danse dans le développement d’approches artistiques et pédagogiques embrassant la diversité culturelle.
Ce kit propose des outils permettant d’adapter les pratiques chorégraphiques aux perspectives culturelles et sociales uniques des différentes communautés en Europe, garantissant que la danse devienne une expérience accessible et porteuse de sens pour tous, quels que soient les antécédents ou l’expérience préalable.
Il fournit aux chorégraphes des conseils concrets pour cultiver le sentiment d’appartenance, d’égalité et d’expression créative, en les guidant tout au long du processus de co-création d’un spectacle — des premières étapes à la présentation finale.
Dans ce kit de formation, les chorégraphes et artistes interprètes souhaitant co-créer avec des groupes culturellement diversifiés trouveront :
- Des approches pour améliorer leur pratique artistique
- Des outils pédagogiques pour initier le processus créatif dans des contextes culturellement variés
- Des réflexions de participants et de chorégraphes ayant pris part aux défis
Le Training kit SINIPARKSI est composé de deux ressources principales, offrant un support pédagogique complet pour les chorégraphes et enseignants en danse :
1. Manuel écrit
Ce manuel offre une vue d’ensemble des ateliers de co-création, de leurs approches pédagogiques et des processus artistiques mis en œuvre. Il constitue à la fois un document de réflexion et un guide pratique pour les professionnels cherchant à intégrer la diversité culturelle dans leurs pratiques.
Contenu :
- Témoignages de chorégraphes : retour sur les défis et évolutions pédagogiques favorisant l’inclusion culturelle.
- Retours des participants : impact transformateur de la danse sur le bien-être individuel et collectif, favorisant l’expression et le sentiment d’appartenance.
- Propositions pédagogiques : stratégies concrètes et modes opératoires pour travailler avec des groupes culturellement diversifiés.
2. Vidéo kit
Le Training kit SINIPARKSI comprend également des vidéos offrant un complément visuel au manuel écrit. Ces vidéos présentent des extraits d’ateliers de co-création, des témoignages dynamiques et des analyses structurées, facilitant leur application en pratique.
Contenu :
- Interviews de participants : partage de leurs expériences et de l’impact de la co-création sur leur perception de la danse et de la culture.
- Interviews de chorégraphes : retour sur leurs méthodes, les défis rencontrés et les enseignements tirés du travail avec des groupes culturellement diversifiés.
- Vidéos pédagogiques : tutoriels illustrant des techniques et méthodologies spécifiques pour travailler avec des populations variées. Ces vidéos offrent un support pratique, montrant comment adapter les approches chorégraphiques en fonction du contexte culturel des participants.
Toutes les vidéos sont disponibles avec des sous-titres pour garantir une large accessibilité.
LES VIDÉOS
Toutes les vidéos ne sont pas encore en ligne, mais une partie est déjà prête à être consultée. Nous vous invitons à cliquer sur les liens des vidéos pour les visionner.
A. Contact entre les participants, en tant que création de mouvement et expression de soi, avec une valeur ajoutée sur la cohésion de groupe :
1. Utilisation du contact physique, dans la continuité des fondamentaux de la danse contemporaine :
« Dans l’étreinte de la gravité »
Une exploration guidée de l'équilibre et de la connexion par le toucher, invitant les participant·e·s à faire l'expérience du pouvoir à la fois ancrant et édifiant du dialogue physique dans un espace sûr et partagé. Cet outil expérientiel met l'accent sur le rôle de la gravité dans la création d'un environnement réactif et sécurisé, propice à une connexion significative.
« Éveiller le corps par le toucher – Une introduction aux fondamentaux de la danse contemporaine »
Dans cette vidéo, nous explorons le toucher comme le sens le plus immédiat et universel, une porte d’entrée vers l’éveil du corps et l’introduction aux éléments fondamentaux de la danse contemporaine. À travers des explorations physiques guidées, les participant·e·s commencent à se connecter à leur corps, à mobiliser leurs articulations et à développer une conscience de l’espace et des stimuli sensoriels. Ce processus somatique mène progressivement et de manière organique au contact avec un autre corps, créant une transition naturelle de la conscience individuelle vers une expérience de mouvement partagée. Conçue pour des contextes co-créatifs, cette pratique favorise l’inclusivité, la présence incarnée et la conscience relationnelle au sein du groupe.
« L’espace entre nous : de l’accolade à la danse »
À travers l’improvisation, les participant·e·s explorent comment une étreinte peut changer de forme et de signification : une personne peut rester tandis que l’autre s’éloigne, les deux peuvent souhaiter maintenir la posture, ou aucune ne peut vouloir s’y engager. Ce geste devient un terrain d’exploration de la proximité, de la résistance, du consentement et de la connexion, transformant un acte courant en un riche champ de dialogue corporel et de potentiel expressif.
« En harmonie : confiance et bienveillance dans le mouvement à l’aveugle »
Une exploration de la connexion, de la sécurité et de la communication à travers le mouvement en duo les yeux fermés. Ce documentaire témoigne d’un atelier de danse co-créatif Siniparksi, dans lequel les participant·e·s explorent la confiance et l’attention par le toucher guidé et la présence incarnée.
2. Utilisation du contact indirect afin d’éviter le toucher et d’explorer toutes les possibilités de contact :
« Introduction à l’usage du contact indirect »
Quelques explications sur ce que nous entendons par contact indirect, utiles pour comprendre les autres vidéos de ce chapitre.
« Regard : interagir par le regard »
Établir une connexion par le regard dans l’outil « Regard » constitue la première étape pour entrer en contact sans mots et sans toucher direct. Entrer en relation par le regard offre une manière douce d’introduire l’interaction et un éventuel contact physique. Utiliser le regard comme mode d’interaction permet au groupe de voir chaque participant·e et de laisser le mouvement émerger naturellement à partir de cette connexion partagée. Cela favorise la confiance entre les participant·e·s et encourage une présence à la fois physique et émotionnelle.
« Jouer avec les sons de la voix comme source d’inspiration physique »
L’exercice « Jouer avec le son de la voix » propose une approche ludique pour intégrer des indices sonores non verbaux et créer un dialogue entre sons et mouvements, notamment pour un groupe confronté à des barrières linguistiques.
« Bâtons de bambou : se connecter et prendre soin »
L’outil « Bâtons de bambou » permet de mettre rapidement les personnes en contact les unes avec les autres via un contact indirect.
L’utilisation d’intermédiaires facilite la connexion sans contact direct. Si un·e partenaire ne veille pas à la connexion et à l’équilibre de l’objet tenu entre eux, celui-ci tombe. Les participant·e·s sont ainsi obligé·e·s de prendre soin les un·e·s des autres, favorisant un sentiment de cohésion de groupe.
« Confiance en mouvement : co-créer par le contact indirect »
Cette ressource expérientielle propose une exploration engageante de la confiance, de la connexion et de la collaboration à travers le mouvement, utilisant des bâtons de bambou comme moyen de contact indirect. Adaptée aux danseur·se·s de tous niveaux et horizons, elle guide les participant·e·s, en duo ou en groupe, à explorer le souffle, l’espace et la connexion non verbale — développant conscience, attention et présence sans contact direct. Elle est idéale pour les éducateur·rice·s en danse, les professionnel·le·s, ainsi que toute personne souhaitant approfondir son expérience du mouvement co-créatif et de la connexion.
B. Création de mouvement, inspiration et expression créative à partir de références quotidiennes communes
1. Utiliser les gestes quotidiens
« Pourquoi utiliser les gestes quotidiens – Raconter une histoire »
Dans cette vidéo, les gestes et mouvements quotidiens sont utilisés comme moyen de retenir les prénoms et de montrer à quel point ils peuvent varier d’une culture à l’autre. On y voit aussi comment ces mouvements peuvent créer un dialogue, raconter une histoire ou instaurer une ambiance. Vous y découvrirez également l’outil permettant de passer des prénoms au mouvement, appelé NameMotion.
« Chorégraphie des gestes quotidiens »
Transformer des gestes quotidiens — comme marcher ou regarder — en chorégraphie aide à faire entrer le groupe dans un mouvement synchronisé.
« Des gestes quotidiens à la danse – Explorer l’étreinte »
Cette vidéo se concentre sur les gestes quotidiens, tels que saluer quelqu’un à son arrivée ou dire au revoir. En prenant des mouvements familiers comme l’étreinte comme point de départ, les participant·e·s sont invité·e·s à explorer comment ces actions habituelles peuvent progressivement se déployer en expressions proches de la danse. L’exercice encourage l’expérimentation de différentes manières d’embrasser et de prendre congé d’un autre corps, passant du connu à l’inconnu créatif. Parallèlement à cette exploration physique, une attention est portée à la résonance émotionnelle inscrite dans ces gestes simples, et à la manière dont ces sentiments peuvent être incarnés et intégrés dans son propre langage corporel.
2. Utiliser les émotions
« Regarder un spectacle : les émotions des spectateurs comme catalyseur »
Simuler l’acte de regarder un spectacle au théâtre peut servir de catalyseur à la création chorégraphique. L’outil « Imaginez regarder un spectacle » s’appuie sur des gestes quotidiens, chargés d’expression émotionnelle, pour générer une séquence de mouvements.
« Cartes emoji : ajouter une couche expressive »
Utiliser les emojis comme source d’inspiration peut être une manière ludique et efficace de générer du mouvement ou d’ajouter une couche émotionnelle et expressive à un mouvement existant. Présenter une ambiance visualisée par une carte « Emoji » peut aider à modifier la qualité de la danse et offrir aux participant·e·s l’occasion d’explorer l’expression émotionnelle.
« Émotions en mouvement : réfléchir à la danse ensemble »
Cet outil expérientiel accompagne les participant·e·s dans un processus de réflexion créative à la suite d’un atelier de co-création en danse. Par le dessin, l’écriture ou toute autre forme d’expression artistique, les danseur·se·s explorent et partagent leurs ressentis et expériences issus de la séance de mouvement. Conçu pour les éducateur·rice·s, professionnel·le·s et danseur·se·s de tous niveaux, cet outil encourage une conscience émotionnelle ouverte et approfondit la connexion entre le corps, l’esprit et la communauté.
« Texte en mouvement : générer la danse à partir de l’émotion et du sens »
Cette activité explore comment les paroles de chansons ou les poèmes peuvent servir de points de départ puissants pour la création de mouvement. Les danseur·se·s participent à des exercices consistant à lire un texte avec différentes intentions — émotionnelles, politiques — puis à traduire ces interprétations en mouvements improvisés. Avec le thème de l’amour comme base, cet outil met l’accent sur le processus créatif de transformation des mots prononcés en expression incarnée, offrant de riches possibilités de co-création, de narration et de création de sens à travers la danse.
« Comment ajouter de l’émotion au mouvement »
Dans cette vidéo, il est expliqué comment ajouter une émotion à un mouvement peut aider les participant·e·s à mobiliser tout leur corps, à imiter et à approfondir l’expérience. Le choix de partir du mouvement ou de l’émotion revient ensuite aux participant·e·s.
« Sens incarné – Symbole, émotion et danseur·se expressif·ve »
Dans cette vidéo, nous explorons la notion de présence performative et la manière dont un·e danseur·se donne du sens au mouvement. Un objet simple et quotidien devient une ancre symbolique, invitant les participant·e·s à projeter un contenu émotionnel dans leur expression corporelle. À travers ce processus, le mouvement transcende la forme pour devenir un canal d’émotion, de mémoire et d’imagination. Une attention particulière est portée à la façon dont le danseur intérieur réagit aux sentiments qui émergent, et comment ces réponses internes influencent la qualité, le rythme et l’intention du mouvement. Cette pratique encourage l’honnêteté émotionnelle, la transformation poétique et une connexion plus profonde avec son moi expressif.
3. Utiliser l’espace quotidien
« Le banc comme moyen d’improvisation »
L’outil « Banc » permet aux participant·e·s d’explorer des mouvements en relation avec un banc et les gestes habituels qui y sont associés. Les participant·e·s peuvent se référer à la fonction normale du banc, tout en transformant cet objet en quelque chose de nouveau.
« Utiliser l’espace familier autrement »
Cette vidéo montre comment les espaces quotidiens peuvent aider, car les participant·e·s savent généralement comment s’y comporter et peuvent utiliser cette connaissance pour créer du matériel.
C. Création de mouvement, inspiration et expression créative à partir de références culturelles partagées ou diverses
1. Références artistiques
« Des statues au mouvement autodirigé »
Dans cette vidéo, on voit comment les références artistiques peuvent aider à l'inspiration et offrir aux participant·e·s un autre apport que le vôtre.
« Comment les cartes peuvent aider les participant·e·s »
Cette vidéo montre comment les supports visuels peuvent aider les participant·e·s à se souvenir de l’enchaînement des scènes et de leur placement
« Rediriger l’inspiration »
Cette vidéo montre comment partager sa propre inspiration, comment celle-ci peut être transmise aux participant·e·s, et comment cette histoire peut évoluer grâce à leur contribution.
« Le poème en mouvement : explorer le rythme, la voix et le mouvement »
Cette vidéo saisit une exploration chorégraphique co-créative inspirée par la poésie, la musique en direct et l’improvisation. Les participant·e·s interagissent avec le rythme, le texte parlé et le mouvement pour développer des réponses expressives et des compositions collaboratives. Conçue pour les professionnel·le·s comme pour les non-professionnel·le·s, l’activité invite les danseur·se·s à relier la voix et le corps à travers le rythme, les images et la créativité partagée
« Temps et texte : explorer l’improvisation à travers les chansons d’enfants »
Cet exercice offre aux participant·e·s l’opportunité d’explorer le rythme et le texte à travers une chanson ou un poème pour enfants bien connu. Réparti·e·s en deux groupes, l’un se concentre sur la lecture et l’interprétation du texte, tandis que l’autre improvise des mouvements inspirés de celui-ci. En s’appuyant sur des références artistiques comme source d’inspiration, l’activité favorise la collaboration, la créativité et l’expression partagée au sein de groupes divers.
2. Références à la mémoire collective (c’est-à-dire références culturelles immatérielles)
« Références culturelles qui relient »
Nos références culturelles collectives — telles que les langues maternelles, les jeux d’enfance, les façons de se saluer, les récits de rêves personnels ou les lieux liés à la danse — sont des outils précieux pour engager des participant·e·s issu·e·s de divers horizons culturels dans le mouvement. Les réponses variées des danseur·se·s apportent une palette riche et unique de gestes au processus. Cela a servi de matière créative, permettant aux participant·e·s de se sentir vu·e·s et entendu·e·s. Cet apport personnel et culturel a enrichi la chorégraphie d’une profondeur émotionnelle et d’une authenticité particulières.
« Salutations en mouvement : un outil de danse en co-création »
Cet exercice propose une approche créative pour explorer les salutations et les adieux à travers l’improvisation dansée. Conçu pour les professionnel·le·s comme pour les non-professionnel·le·s, il offre aux enseignant·e·s en danse un outil flexible favorisant la connexion, l’inclusion et la co-création au sein de groupes diversifiés. À travers des consignes de mouvement simples mais porteuses de sens, les participant·e·s sont invité·e·s à transformer des gestes du quotidien en expériences partagées et expressives.
« Jeux d’enfance comme connecteurs culturels en co-création »
Cette vidéo propose aux participant·e·s de découvrir comment les jeux d’enfance peuvent agir comme de puissants vecteurs culturels dans le cadre d’ateliers de co-création en danse. En s’engageant dans une improvisation ludique inspirée de ces jeux, les danseur·se·s sont encouragé·e·s à explorer le mouvement créatif et à générer des idées chorégraphiques. Cet outil favorise le lien, la collaboration et l’échange culturel, ce qui le rend particulièrement adapté à des groupes divers souhaitant approfondir une expérience créative partagée.
Un outil pour briser la glace, qui introduit les fondamentaux de la danse contemporaine en toute simplicité et instaure un espace d’égalité entre le·la chorégraphe et les participant·e·s, en rappelant que le plaisir réside non pas dans la victoire, mais dans le jeu.
« La discothèque : compréhension commune »
Trouver une compréhension commune dans la diversité culturelle, par exemple autour de la discothèque, aide les participant·e·s à créer leur propre chorégraphie
3. Objets culturels communs
« Danser avec des manteaux »
Le manteau sert de point de départ pour des associations qui peuvent être utilisées afin de créer du matériel de mouvement. L’exploration guidée avec un tel objet permet de raconter une histoire par la danse. En découvrant l’objet, sa matière, ses fonctions ou ses significations, une imagination collective peut être explorée. Il peut servir de catalyseur pour la narration, créer des connexions et ajouter des couches de sens à la chorégraphie.
« Danser avec des symboles : performer l’invisible »
Cette vidéo explore comment un objet culturel commun — ici, un manteau — peut devenir un point de départ pour l’expression incarnée et la connexion de groupe. À mesure que chaque personne interagit avec l’objet, sa physicalité devient un outil de transformation, de libération émotionnelle et de création de sens. Le manteau n’est plus seulement un objet, mais un langage partagé — qui permet aux expériences individuelles de résonner dans un contexte collectif, favorisant l’empathie, la cohésion et l’expression créative au sein de divers horizons.
D. Retours et perspectives des chorégraphes
«Retours de chaque chorégraphe sur leur ressenti et sur la manière dont cette expérience les a enrichis»
Les chorégraphes impliqués dans le projet partagent leurs retours sur l’expérience, ainsi que les ressentis qu’elle leur a apportés.
E. Retours des participant·e·s sur leurs ressentis après l’expérience et leurs réflexions sur cette opportunité créative
« Ressentis des participant·e·s durant l’atelier »
Après chaque défi, les participant·e·s ont été invité·e·s à partager leurs ressentis durant l’expérience
« Évolution personnelle des participant·e·s »
Après chaque défi, les participant·e·s ont été invité·e·s à partager leurs réflexions sur cette opportunité créative. La vidéo montre ce que la co-création avec une population culturellement diverse peut leur apporter. »
Les teasers des ateliers
Siniparksi teaser 1 - Atelier à Briançon
Un atelier de co-création de trois jours a eu lieu au Théâtre de Briançon, situé dans une très petite ville de la région rurale et montagneuse du nord des Hautes-Alpes : une co-création spécifique au site avec des danseur·se·s expérimenté·e·s.
Siniparksi teaser 2 - Atelier à Athènes
Un atelier de danse co-créative de trois jours, qui s’est déroulé à Athènes, en Grèce, s’est conclu par une représentation publique : un atelier avec des personnes immigrées.
Siniparksi teaser 3 - Atelier à Sitia
Un atelier de danse co-créative de trois jours, qui s’est déroulé à Sitia, en Grèce, s’est conclu par une représentation publique : une première expérience de danse en milieu rural, avec une performance dans un espace public
Siniparksi teaser 4 - Atelier à Karlovac
Un atelier de trois jours à Karlovac, en Croatie, s’est conclu par une représentation le dernier jour : une première expérience de danse avec un musicien et une performance théâtrale.
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